Stefano Ronci. Vivir en el límite, hacer visible lo invisible.

La frontera como dispositivo, no como tema

En la investigación de Stefano Ronci, la frontera nunca coincide con una línea clara. Es más bien una franja inestable, un territorio de deslizamiento donde las cosas no coinciden completamente: entre materia e imagen, entre control e imprevisibilidad, entre presencia y desaparición. Ronci trabaja justo ahí, en ese espacio que normalmente intentamos aclarar, ordenar, cerrar. Su gesto va en dirección opuesta: hacer permeable lo que delimita, transformar la frontera en un campo activo de posibilidades perceptivas.

El horizonte como matriz originaria

Crecido en un contexto profundamente ligado al mar Adriático, Ronci identifica en el horizonte una de las imágenes fundacionales de su poética. Línea móvil, inestable, imposible de fijar, el horizonte es por definición un límite que retrocede, un límite que se sustrae. Esta condición alimenta una tensión constante hacia lo más allá, hacia un espacio que nunca se deja poseer del todo. De aquí surge una práctica que atraviesa la pintura, la escultura, la instalación y la luz, rechazando cualquier jerarquía disciplinaria y construyendo obras que existen solo en relación con quienes las atraviesan.

Superficies inestables entre imagen y reflejo

En los paisajes planos, la resina brillante actúa como un dispositivo crítico: la superficie refleja al observador, superponiendo su cuerpo al paisaje pintado. El límite entre representación y realidad se vuelve ambiguo, frágil, continuamente negociable. En los paisajes blandos, en cambio, la pintura pierde rigidez y se convierte en materia sensible, casi orgánica, ubicándose en una zona de tensión entre pintura y escultura. En ambos casos, la obra nunca está cerrada: es un sistema abierto que se completa solo a través de la experiencia directa.

Luz, vapor, presencia: el límite como experiencia

Esta reflexión se radicaliza en trabajos como Losanghe, donde el orden geométrico es desestabilizado por la luz y la transparencia de las gelatinas coloreadas, produciendo un desbordamiento visual más allá de los límites de la forma. En el ciclo Condense, el límite se vuelve aún más sutil: el vapor empaña superficies reflectantes y acoge signos efímeros trazados con los dedos. La obra se convierte en un lugar de paso, un archivo temporal de presencias en el que ya no es posible distinguir con certeza el gesto del artista del del visitante. Aquí el límite no separa, sino que relaciona, haciendo visible lo invisible y devolviendo centralidad al cuerpo, al espacio y al tiempo como experiencias compartidas.

#1 respuesta 
La frontera es un tema recurrente en tu trabajo. ¿Para ti es más un lugar de tensión o un espacio de posibilidad?

Es un lugar de tensión cargado de posibilidades. Con el tiempo, el concepto de frontera ha adquirido una dimensión más madura, en el sentido de que está más profundamente arraigado en mis experiencias de vida... pienso, por ejemplo, en el mar.

#2 respuesta 
El mar y el horizonte parecen actuar como arquetipos visuales y conceptuales. ¿Hasta qué punto tus orígenes y la experiencia física del paisaje marino siguen influyendo en tu forma de pensar sobre la forma y la materia?

De hecho, al responder a la primera pregunta no había leído la segunda, y así me encuentro diciéndote que la relación con el mar como idea de tierra de fronteras es central. Nací y crecí en una tierra de fronteras: por un lado el agua, por el otro el mar. He navegado en el mar inmerso en paisajes de frontera: línea de horizonte, cielo-agua. Más que influir en la materia, diría que mi relación con el mar influye en la forma.

#3 respuesta
En obras reflectantes y en trabajos como Condense, el espectador se convierte en parte activa de la obra.
¿Qué tipo de relación te interesa generar entre la obra artística y el espectador?

Me interesa el diálogo abierto con el entorno circundante, no solo con el espectador. Vincula las obras al movimiento. Las hace cinéticas. En este sentido, también retomo la parte de mi trabajo relacionada con los vídeos, es un interés que se relaciona con la idea de variación o variabilidad de la obra según el contexto. Sin duda, la interacción con el espectador es un aspecto que cultivo, pero siempre en referencia a la idea de mutabilidad.

#4 respuesta
El concepto de diafano atraviesa muchas de tus obras recientes. ¿Te interesa más como cualidad material o como condición perceptiva y simbólica?

Diafano... diría que me interesa el aspecto espiritual del término... la idea de umbral.

#5 respuesta 
En vista de la exposición en Bolonia en Orea Malià, ¿qué te interesa que el público capte más sobre tu trabajo: un aspecto conceptual, una experiencia sensorial o una postura sobre el presente?

Una experiencia sensorial que pueda dejar una huella conceptual. Digamos la idea de encontrarse frente a materiales y formas cuyos orígenes están ligados a experiencias visuales y sensoriales pero reelaboradas a través del filtro del intelecto. No me importaría provocar reflexiones.

#6 risposta
Stiamo quasi finendo l'intervista, in redazione siamo tutti appassionati di musica ed è uno dei linguaggi artistici che privilegiamo, ci dici tre tracce a cui sei particolarmente legato. Grazie.

Fistful of love - Antony and the Johnsons
Akane - Color me blue
Frank Ocean - Self control